缂（kè，同：刻）丝（英文：K’o-ssu 、Kesi 或 Chinese silk tapestry），又称“刻丝”，是中国最传统的一种挑经显纬(通经断纬)的欣赏装饰性丝织品。宋元以来一直是皇家御用织物之一，常用以织造帝后服饰、御真（御容像）和摹缂名人书画。因织造过程极其细致，摹缂常胜于原作，而存世精品又极为稀少，是当今织绣收藏、拍卖的亮点。常有“一寸缂丝一寸金”和“织中之圣”的盛名。

缂丝作品一般有三个特点，首先是缂丝作品大多是一种集体创作的作品，后人判断这类作品价值的高低只能看其作品本身的工艺和艺术价值；其次是缂丝的创作往往很费功夫和时间，有时为了完成一件作品需要几个月乃至一年以上，所以，一件缂丝作品的完成往往倾注著作者大量的心血；再次，缂丝作品具有很高的观赏性。许多缂丝作品既有平涂色块的平缂，也有构图造型的构缂、齐缂。缂丝作品一般立体感很强，加上缂丝作品的题材都是人们喜闻乐见的，故其艺术和观赏价值完全可以和名家书画分庭抗礼，甚至有所超越。

近来织锦，刺绣，缂丝成为织绣拍卖领域的“三大主力”。其中以缂丝最受关注， 2004年，缂丝作品《钦定补刻端石兰亭图帖缂丝全卷》，曾在中国嘉德的春拍中创出3575万元的高价。而2006年，一幅《清康熙御用红木雕花镶嵌缂丝绢绘大屏风》更是以 8050万元的天价成交。2008年1月6日北京文久国际拍卖的《乾隆缂丝梵字陀罗尼黄经衾》以7205万成交。康隆盛世，国强民富，经济高度发展，缂丝技术达到历史的顶端。《钦定补刻端石兰亭图帖缂丝全卷》（长1714.5厘米、宽31.6厘米）是目前所能见到的古代缂丝作品中最长的一件艺术品，也是收集《兰亭序》历代拓本最完整、史料最丰富的缂丝手卷艺术作品。具有缂丝工艺史和书法绘画史等多种艺术史料价值，其缂丝工艺之精湛，色彩之丰富，保存之完好，在同类传世缂丝手卷艺术作品中极为罕见，具有纺织史、绘画及书法和传统工艺等多种史料参考鉴定价值，对重新认识中国清代缂丝史产生重要影响。

　　相对其它艺术品来说，缂丝的庸品极少。因为仿制实在是太难了。要造假缂丝作品，成本和难度比任何工艺品要大得多。仅一方巾大小的上等作品，就包含上千种渐进色，需高级技师耗费数月的时间方可完工。技术的含金量，复杂的工艺流程，要求极高的工艺环境加上此等绝活后继乏人，使得缂丝的价值正扶摇直上。

由于制作工艺的不同，传统缂丝可细分为四大类：“本缂丝”， “明缂丝”“絽缂丝”和“引箔缂丝”。当今研发的缂丝品有“紫峰缂丝”“雕镂缂丝”和“丝绒缂丝”。它们是各有千秋，“本缂丝”质地较为厚实，作品高雅尊贵，适合于装饰点缀。“明缂丝”是雍容华贵，质地柔软，轻盈。“絽缂丝”质地柔软，间断图案，透气透光。“引箔缂丝”质地柔软，掺有特殊纸箔。“紫峰缂丝” 材质轻薄，薄入蝉翼，图案若隐若现。“雕镂缂丝”窗棱效果，且极具观赏性。“丝绒缂丝”是丝毯工艺和缂丝工艺的结合品。

明缂丝现在比较常见，本缂丝现在相对而言制作的技工日益减少，这两种缂丝工艺差别不是取决于图案文饰，而是在其制作工艺上和生产出来的产品材质有所不同。后来由于历史的种种原因，到了近代中国只留存下明缂丝的技法。

如此质感的区别是由于这两大缂丝技艺在原材料的选择和制作技法的不同。在原材料的选择上，明缂丝的经线一般为3×2(6丝），纬线为8×2(16丝），本缂丝的经线一般为10×2(20丝），纬线为15×2(30丝）。也就是说本缂丝的经线是明缂丝的三倍粗，纬线是明缂丝的两倍粗。两种流派使用的线的规格不同，产品的外观自然也有很大的差异。明缂丝细软，表面呈现平纹状。本缂丝厚重、挺括，表面显现罗纹档纹路。在本缂丝中也有用细纬线、细经线做产品，但用本缂丝的生产手段做出来的产品，除手感细滑外其他还显现出本缂丝的特点。

从制作技法上来讲，虽然都是运用“通经断纬”的基本法则，但在具体制作上还是有很大区别的。首先上机的经线张力，本缂丝比明缂丝要强得多（所谓张力、经线所承受的拉力），这样制作出来的作品整体看——挺括而不松软。苏州明缂丝整理好经面后，先要把制作的图案描在经面上，然后才能进行操作。南通本缂丝只要把图纸托在经面下方，即可以开始操作。在操作过程中要求所托画稿位置不能变动，最后产品完成后，其产品与图纸上的图案位置误差不得超过五毫米。如果是制作袈裟或其他礼服时对这个精准度则要求更高，袈裟是由多片缂丝面料相拼而成，任何一片与原画稿出现较大偏差，整个图案的完整性就破坏了。

苏州明缂丝与南通本缂丝在制作技艺中，还有一个明显的区别，素地做法。何谓素地——没有花纹的地方称素地。明缂丝不管是素地还是图案部分，在纬线穿进经线后再用拨齿拨紧，而本缂丝却不一样。本缂丝在做素地时是用筘把纬线夯紧，只有做到小面积图案时才会使用拨齿拨紧。两种流派的制作手段不一样，虽然机台结构差不多，但本缂丝的机台明显比明缂丝的机台扎实得多。机台中的筘的作用也各有所取。明缂丝的筘是控制经面的宽度，本缂丝的筘不但要控制经面的宽度，而且要把纬线夯紧。本缂丝在制作过程中，不管是做素地还是花形必须做到打出的一根纬线和经线面的角度保持一致，一般要求四十度角，然后才能把纬线夯紧。假如那一根打出的纬线角度偏大或偏小，在产品中就会出现疵点。就这一点明缂丝要求就没有这么高。明缂丝不管做花还是打素地都用拨齿拨紧，一般的拨齿的宽度在六厘米之内，最窄的只有2cm,如果做一幅宽度为30cm的产品，要拨十几下，才能把纬线全部压下、压紧，所以纬线在经线中分布不如本缂丝一次夯紧匀称。

也是鉴于这样的特征南通缂丝最适宜制作书画摹缂、屏风、唐卡、袈裟、和服腰带及手袋类产品。苏州缂丝则适合做高档面料及辅料。

鲁迅曾经说过,文字有三美,意美以感心,音美以感耳,形美以感目。中国的书法是关于中国文字表现的艺术,首先在于它是方块字,它的点画使转、间架结构,形成了独特的书体,所以它首先是一个形的问题。然后呢,中国书法从一开始就强调“纵横有可象者方得谓之书矣”,这里讲的可象之象，既包含着自然之象，也包含着人所创造的书体之象。

                   Chinese handwriting 中国书法之美

从篆到隶，再到汉末魏晋的草书和楷书自身的法象,慢慢地独立和丰满,传统的书论也总是以自然之象来比兴书法的意像,那么这个自然之象的背后是什么呢？是自然之神,是书写者精神的应会，由此形成独特的中国书法的美学倾向,形成一种如画般的书写特征。这种独特的美学倾向,这种强调自然之神与书写者精神的应会，讲大了，是形成民族的精神气象；讲小了，就是书写者的精神气象。所以中国书法第二个非常重要的就是象,由于文字本身的纵横有可象之象,带出来的是书写者的精神之象和民族的精神气象。再接下来,书写这个软笔的表现,所发泄出来的是书写者的气质和情怀,它可以达到人与自然沟通相契,活化生命意向的作用,它达到一个很高境界的时候是心手相忘,书笔相忘,天人合一的境界，这个境是书艺所真正得以安顿的归宗。所以中国人把书法作为人的一种内修的方式,因此书法使人心得到安顿的这样一种东西,这种很高的东西,我们称它为境。所以书法第一和形有关,第二和象有关,最高层次和境有关,达到高境,达到忘境,达到活境。

汉字则是典型的在表形文字基础上发展起来的表意文字。

中国文字的滥觞、初具艺术性早期作品的产生，无不具有自身的特殊性和时代性。就书法看，尽管早期文字——甲骨文，还有象形字，同一字的繁简不同，笔画多少不一的情况。但已具有了对称、均衡的规律，以及用笔（刀）、结字、章法的一些规律性因素。而且，在线条的组织，笔画的起止变化方面已带有墨书的意味、笔致的意义。因此可以说，先前书法艺术的产生、存在，不仅属于书法史的范畴，而且也是后代的艺术形式发展、嬗变中可以借鉴与思考的重要范例。

隶书结体扁平、工整、精巧。到东汉时，撇、捺等点画美化为向上挑起，轻重顿挫富有变化，具有书法艺术美。风格也趋多样化，极具艺术欣赏的价值。
汉隶在笔画上具有波、磔之美。所谓"波"，指笔画左行如 曲波，后楷书中变为撇；所谓"磔"只右行笔画的笔锋开张，形如"燕尾"的捺笔。在用笔上，方、圆、藏、露诸法俱备，笔势飞动，姿态优美。在结构上，有小篆的纵势长方，初变为正方，再变为横势扁方汉隶具有雄阔严整而又舒展灵动的气度。

楷书的审美表现性和抒情性均不及行草书。

草书始于汉初，其特点是：存字之梗概，损隶之规矩，纵任奔逸，赴速急就，因草创之意，谓之草书。

下面摘自书法金沙的文章：
论中国书法是“具象艺术”

中国书法是“具象艺术”，不是中国书法的艺术之形基于她是自然界某种具体物象的直接的简单的描摹、再现，而是基于“再创作的汉文字”同时具有相对的再现性和表现性、具象性和抽象性、对应性和多元性、独有性和开放性等，是基于再创作的汉文字与汉文字之间的特殊关系，一种艺术创造的紧张而亲密的关系，一种生来具有的可识别性，其实体、本体或者说其实体、本体的核心部分――再创作的汉文字是“具象”的，因此，中国书法也就不可能不是“具象艺术”。而不是什么 “纯抽象形式”、“不是字的一组组线组构”、“不依附任何观念的形式美、自由美”、“独立于符号意义（字义）的净化了线的艺术”、“具有绝对独立性的美”。

中国书法的世界性和独有性。书法金沙曾经反复提出不但应该把中国书法艺术作为中国文化艺术的一部分来研究，而且应该作为世界文化艺术的一部分来研究，中国书法或许具有世界性，于是书法艺术势必超越民族，跨越国界，而赢得一种世界性的艺术认同。但是，这种认同不仅仅是因为中国书法是心画，是形上表现，是形式美和情感因素的直接结合，因为把握这种结合，或许仅仅认识了作为具体门类艺术的中国书法应该具有的起码的艺术的普遍属性，这是完全不够的；书法金沙认为，更重要的在于中国书法的独有性、特殊性、民族性。如两河流域文化、俄罗斯文学、希腊雕塑、中国古典诗词、中国绘画等等，不仅仅在于它们都具有或文化的、或文学的、或艺术的共有的基本属性，而且在于它们的独有性、特殊性、民族性，于是才有或者应该有这些民族文学艺术超越民族，跨越国界，而赢得一种世界性的艺术认同的必要和必然，它们应该是为这个地球村人类共同享用而携手共同进步的文化、文学、艺术。如果研究中国书法的世界性应该同时研究它的必要性和必然性，特别应该强调和研究她的独有性、特殊性、民族性。应该充分地研究中国书法是艺术，更应该充分地研究中国书法是民族文化艺术的瑰宝，中国书法是有界定的传统民族艺术，中国书法是汉文字的再创作，中国书法是民族文化“根”的艺术，中国书法是“具象艺术”。

        内参，据百度百科释义，指供领导者或一定范围内的同志阅读参考的内部情况报道。
　　国内白酒市场就有一款酒，名为“内参”，并逐步流行于国内政商务消费圈，在不经意间开始引起人们的关注。
　　酒的“内参”
　　“内参”与白酒压根不沾边，为何将酒取名为“内参”？
　　“内参”酒为酒鬼酒公司的一款高端产品，关于它有这样一段文字描述：古楚地酉水之域为醴之乡，酉之美酒于先秦时即列为宫廷之秘享妙品，暗渡入贡。因其秘行于上流官道、秘盛于大夫显爵，秘藏于皇廷内阁，而鲜为史书铭传。今酉水古邑之里耶，惊现万枚秦简，复活千年尘封秦史，依简索笈而得神秘之酿方，汲兰芷之甘泉，采酉水之百草，且藏于云之崖洞，数载老熟天成。因其馥郁优雅，格调高显，而为当今名人雅士赋其名曰“内参”。其味绵甜柔美，其香舒适淡雅，风味绝伦，非知酒者无以品其妙，非得道者无以悟其境也。
　　据了解，1995年，一位北京客人来到“酒鬼酒湘泉城”参观，品尝了酒厂酿酒师傅选取优质基酒调制的专供酒鬼酒，连声称好，并让随行工作人员将余下的带回北京供朋友品鉴。当得知此酒还没有名称时，这位客人即兴说，既然不对外品鉴，那就叫“内参”吧！并当场邀请在现场陪同的湘西籍知名画家黄永玉大师为新酒设计包装，黄永玉欣然应允。此后，酒鬼酒公司扩大基酒生产，储备优质基酒，按北京客人品鉴的标准设计酒体。
　　2003年，酒鬼酒公司已将北京客人品鉴标准的新酒正式命名为内参。同年底，酒鬼酒公司领导来到黄永玉故乡凤凰古城的家，请求黄永玉答应8年前的承诺。
　　黄永玉设计出一个酒瓶，其瓶身创意来自湘西民间包扎礼品的油纸，又似用报纸刻意包裹。特殊的纸纹褶皱效果别具一格，大气中见神秘，庄重中显洒脱。瓶颈系着杏黄色的丝绳，盒盖压上棕色火漆封章，与古时官府密章相契，亦称“封事”，为秘密、封存、贵重之意。
　　客人当即称好，并与黄永玉联袂创意，题写酒名“内参”，即为目前“内参”产品的红标贴上的字样。
　　这位客人还亲自为“内参”酒设计了一款木制挂牌，并题写了“密级”二字。
　　黄永玉的解释是：少数人看，数量有限，所以叫“内参”。
　　黄永玉将“内参”酒的包装设计交给酒鬼酒公司的领导，并附一页精致行楷作为产品说明。上面写道：“此酒窖藏数量有限，只供给领有正式牌照之酒仙酒鬼欣赏品尝，不作市场推销活动。所谓：‘喝一瓶少一瓶，喝一口少一口’之义，庶几近之，深望向隅之各路瘾君子原谅。”
　　大师偶然天成之作
　　“内参”的包装一点儿也不时髦，简洁得近乎“简陋”， 平实得几近“平淡”。但那油纸纹褶皱般的古朴酒瓶，排列在在当今内那流光溢彩、姹紫嫣红的酒器中，宛如在奢华的酒会上，在那燕尾服和哥特式长裙的喧嚣人群里，有人一袭中式长衫默然而立，云起云落，处之恬然，望而脱俗。这是一种品格的差异，更是一种文化的碰撞。
　　黄永玉，祖籍湖南凤凰，生于常德，在中国画界堪称大师级人物。
　　黄永玉幼时随父母回到凤凰老家，饱受湘西人文熏陶。年少时，黄永玉一人独自离家求学。在求学期间，他将学校6层楼的图书馆内所有的藏书看了个“痛快”。广泛的阅读让黄永玉终身受用不尽。
　　离开学校后，15岁的黄永玉当过瓷场小工、战地服务团团员、学校教员、剧团见习美术队员，在福建、江西等地靠绘画和木刻谋生，历尽了沧桑。1953年，小有成就的黄永玉听从了表叔沈从文先生的劝告，偕妻儿从香港回到北京，任教中央美院，后为中国美术协会副主席。
　　黄永玉擅长版画，主攻国画，其画构思奇特，造诣精深，亦是诗、杂文、散文、小说、剧本的大家，为一代“鬼才”。他设计的猴票家喻户晓，其代表作《春潮》《阿诗玛》曾轰动中国画界。
　　“内参”酒瓶的设计集中体现了黄永玉“雅积大伪，俗存厚德”的创作哲学和艺术价值观，道出了“内参”酒所寓含的“内部参读、高端专用、秘绝深藏、居高自远”的品牌气质。
　　目前，“内参”酒已成为中国白酒行业艺术价值与经济价值完美统一的高端产品因其品质卓越、路线神秘，限量生产，定量销售，尤其受到高端消费群体的青睐。
　　悄然流行国内高端消费圈
　　在我国，新闻内参特指新闻媒体向各级党政机关专门呈送的一种新闻报道，是新闻的一种特殊形式。与普通的新闻不同的是，新闻内参是一种不进行公开发布的报道。在有关领导批示允许公开前，新闻内参的内容必须进行严格保密。
　　“内参”酒往往只有一定级别的人才知道，“内参”酒因之显示出一种神秘、低调，同时又彰显出一种尊贵。
　　“内参”酒2003 年定名，2004 年小批量产，2008年才获注册。其间，经历了5年波折。后于2011年被认定为湖南省著名商标。
　　“内参”酒因其名称，招致国内一家大通讯社的非议，认为有侵犯其商标之嫌，使其陷入一场旷日持久的争论中。
　　为了早日注册成功，酒鬼酒公司不得不自圆其说，称“内参”系“内敛乾坤、参悟天地”之意。此解别有深意，暗合了中国儒家修身养性，内外兼修的思想，倡导为人要注重自身修为，不张扬，行事要低调才能大作为。
　　2008年，通过与大型通讯社进行沟通，形成战略合作，国家工商局商标局终于正式批准了“内参”商标，“内参”才堂而皇之地打出“内部参读、高端专享、秘绝深藏、居高自远”的广告语，回到了黄永玉创意的本来面目上。
　　“内参”酒靠口碑相传，尊贵、神秘、低调。窖藏美酒与大师创作完美融合，蕴藉湘西深厚瑰丽的文化，使得“内参”酒一上市即受到政务、商务人士推崇。
　　“内参”酒上市虽短短数年，却成为了酒席上最没有争议的白酒，悄然流行于国内高端政务商务消费圈。

Chinese painting is one of the oldest continuous artistic traditions in the world. The earliest paintings were not representational but ornamental; they consisted of patterns or designs rather than pictures. Early pottery was painted with spirals, zigzags, dots, or animals. It was only during the Warring States Period (475-221 BC) that artists began to represent the world around them.

Painting in the traditional style is known today in Chinese as guó huà (国画), meaning 'national' or 'native painting', as opposed to Western styles of art which became popular in China in the 20th century. Traditional painting involves essentially the same techniques as calligraphy and is done with a brush dipped in black or colored ink; oils are not used. As with calligraphy, the most popular materials on which paintings are made of are paper and silk. The finished work can be mounted on scrolls, such as hanging scrolls or handscrolls. Traditional painting can also be done on album sheets, walls, lacquerware, folding screens, and other media.

The two main techniques in Chinese painting are:

• Meticulous - Gong-bi (工筆) often referred to as "court-style" painting

• Freehand - Shui-mo (水墨) loosely termed watercolour or brush painting. The Chinese character "mo" means ink and "shui" means water. This style is also referred to as "xie yi" (寫意) or freehand style.

Artists from the Han (202 BC) to the Tang (618–906) dynasties mainly painted the human figure. Much of what we know of early Chinese figure painting comes from burial sites, where paintings were preserved on silk banners, lacquered objects, and tomb walls. Many early tomb paintings were meant to protect the dead or help their souls get to paradise. Others illustrated the teachings of the Chinese philosopher Confucius, or showed scenes of daily life.

Many critics consider landscape to be the highest form of Chinese painting. The time from the Five Dynasties period to the Northern Song period (907–1127) is known as the "Great age of Chinese landscape". In the north, artists such as Jing Hao, Fan Kuan, and Guo Xi painted pictures of towering mountains, using strong black lines, ink wash, and sharp, dotted brushstrokes to suggest rough stone. In the south, Dong Yuan, Juran, and other artists painted the rolling hills and rivers of their native countryside in peaceful scenes done with softer, rubbed brushwork. These two kinds of scenes and techniques became the classical styles of Chinese landscape painting.

        刺绣可以说是中国女红中最突出的一种，不但出现的时间早，历史悠久，而且形成了自己的传统。民间刺绣，有着自己独特的艺术风格，图案纯朴、色彩艳丽、构图简洁、造型夸张、针法多样、绣工精致。这些来自民间的刺绣艺术品，大都出自农村劳动妇女之手。      
       
        传统民俗文化中，最值得珍藏的东西是绣花鞋垫，那是一切现代物品所无法比拟的艺术品，精致绚丽，独具特色，韵味无穷，令人爱不释手。

        村头上、树底下、街道旁，三个五个，一簇簇、一团团、花枝招展的，有垂髫少女，有二八佳人，有丰润少妇，有白发老人，乡里的清纯如出水芙蓉，城镇的新潮如芍药带雨。坐在一起穿针引线，那动作，那神情，柳摆春风，十分雅致……或农闲时节或工作之余，总要纳上几针。她们的那份娴雅文静、专心勤劳、贤惠善良简直是中国女子传统美德的化身。

        缝制绣花鞋垫，是民间女子必学的一门“女红”。她们大都手艺精湛，能用五颜六色的丝线，在鞋垫上绣出荷花、鸳鸯、竹子、蝴蝶等等。各种各样的图案，做工讲究，寓意深厚，饱含着女性情感，从中可以体味到一股浓烈而又婉约的中国民间风情。通过精心绣制的鞋垫给予直截了当的表白。千针万线纳出的鞋垫，带着她们的祈愿和情思，将一腔热情和祝福移于亲人的脚下，让人们平安、稳健走过悠悠岁月。

“汾汾七弦上，静听松风寒。”古琴七弦上流动的，乃千古中华文化之风骚，乃中国礼乐文明之余脉，乃真正中州之国子民后代骨子里的情。琴者，情也。从某种意义讲，古琴是中国高推文明的一个符号，一个图腾。古琴始于华夏文明的滥筋时代，一路传承下来，深深蕴含着中国人文之精神。产生于上古时代，使它古朴幽深，意味旷远，崇然孑立，不可衰玩。千年的指手传承，又使它深深地植根于中国文化的血脉之中。于是，到了今日，它已不单单是一个乐器，而是文化，是一种不可复制的累积的文化精神财富，即出世的精神。中华文明的根脉就是礼乐文明。礼乐教化，寓教于乐是也。《琴操》记载:“昔伏羲作琴，以御邪僻，防心淫，以修身理性，反其天真。”担谭的《新论?琴道》文曰:“琴，神农造也。琴之言，禁也。君子守以自禁也。昔神农氏继必羲而王天下。上观法于天，下取法于地。于是始削桐为琴，练丝为弦，以通神明之德，合天地之和焉。神农氏为琴七弦，足以通万物而考理乱也。”可见伏羲氏，神农氏作琴，包括周公制礼作乐，均是在教化巨民以“德”行事。以德行事，应天道人‘公。

但凡初到北京的人，几乎没有不想去尝尝北京烤鸭的。
　　但讲究起来，烤鸭还真不是什么时候吃都合适。不过也不必太在意，夏季一收尾，烤鸭的季节就到了。
　　最早的时候，烤鸭并不是北京的大菜，随着明成祖朱棣迁都，一并从南京搬到了北京，那个时候，它的名字还叫做“南炉鸭”。之所以这么叫，是跟制作工艺有关，当时采用焖炉烤法，讲究鸭子不能被明火炙烤。
　　这焖炉法特别考验大师傅的功力，方法是先用秫秸等火力壮的燃料把青砖砌成的炉子烘热，熄火后再把鸭子放进去烘熟。这中间是万万不能打开炉门的，热气一散了，这鸭子就浪费了。要说在里面多呆会儿不就好了吗？就当时工艺来说，多呆一会肯定就不暄嫩了。
　　烤鸭从焖炉演变成今天常见的挂炉，是满汉全席的功劳。在清朝为了团结各民族而特设的满汉全席上，烤鸭是和烧小猪放在一起的，合称“双烤菜”，那时它叫做“烧鸭子”。
　　相对而言，满族人是更喜欢吃猪肉的，御膳房为了照顾汉族官员的喜好，也为了追求口味的一致性，特意采用烧小猪的方法来制作鸭子，先烫皮、浆糖色、晾坯、挂炉烧烤，上桌时片成柳叶片，摆上各种酱料和清口的果蔬一起吃。这道双烤菜是否寓意着满汉各民族的求同存异尚未可知，但乾隆爷就此爱上烧鸭子倒是真的，清朝文献中就有乾隆连续八天吃烧鸭子的记载。
　　焖炉烤鸭并未就此失传，便宜坊给继承了下来，并在当时的前门外做起了焖炉烤鸭的生意。直到清末，前门外肉市胡同有位做熟食生意的杨掌柜，看到便宜坊生意兴隆，特意找到了在宫里当过差的人，合伙做起了烧鸭子的生意，用的是双烤菜中的方法。杨掌柜以前做过干果生意，跟果园子有来往，想到了用果木作为燃料来烤鸭子。烤出的鸭子带有淡淡的果香，就此名声大噪，也成就了今天闻名世界的全聚德。这时候的烤鸭依然叫做“烧鸭子”。
　　焖炉和挂炉的工艺有差别，口感上的差别也是有的。焖炉烤鸭因为炉膛内的湿度比较大，鸭肉会更暄嫩，鸭皮也不会太焦酥；而挂炉烤鸭要跟明火打交道，尽管随时可以查看烤炙的状况，但鸭皮不可避免会走油，为了使鸭肉不柴，会在鸭子腔内注满开水，实际上是内煮外炙。两种方法经过上百年的不断改进，实现的效果已经都差不多了，但由于本源的不同，口味上的些微差异还是有的，具体喜欢哪一种，就要看个人喜好了。
　　吃烤鸭大家都会，但有时候也会有一些疑惑，例如：片好的鸭肉怎么就有一盘全是皮呢？怎么在酱料之外会有一碟果酱或者白砂糖？为什么还会端上一只鸭头，还带两条一指宽的鸭肉？端上一碟酱油蒜泥的又是什么吃法？
　　如果你在一家店里遇到了上述中任两种情况，那还真得恭喜你有眼光。首先这一盘纯鸭皮，就是很贵气的吃法，松脆的鸭皮蘸着白砂糖或者果酱空口吃，源自旧时大宅子里的贵妇和小姐们；蘸着酱油蒜泥是非常传统，也是非常清口的吃法，现在给上这种蘸料的店已经几乎没有了，只有特别会吃的食客会要求来上这么一份。
　　至于那只鸭头，估计大多人都要嘀咕，这烤得焦黄的鸭头怎么吃？其实这是烤鸭的礼仪，您大可不必费劲去啃它。那两片一指宽的肉来自烤鸭的尾部，和鸭头放在一起端上来放在贵客面前，表示这桌宴席有头有尾。
　　再说吃烤鸭的季节，真不是养生方面的原因，鸭子性凉，貌似夏季吃才是。实际上夏天的鸭子会掉膘，一般烤鸭都用6斤2两的北京填鸭，夏天肯定要稍微瘦一些，吃起来会比其他季节稍稍发柴。
　　转眼间秋天就这么来了，最好的烤鸭季节也到了，还要让那只烤鸭等你多久呢？
转自国际航空报20120827作者周周